UNIÓN FONOGRÁFICA INDEPENDIENTE

Aunque lo reciente de la publicación de Qualquer todavía no otorga la necesaria perspectiva, el nuevo trabajo de este gran músico y reconocido poeta se antoja uno de los de mayor significación en una carrera que se extiende ya más allá de las tres décadas. Qualquer es un salto hacia delante. Una auténtica acrobacia de la que resulta un Antunes definitivamente alejado tanto del rock bullicioso y vanguardista de Titas (el proyecto con el que alcanzó fama) como del pop de sonrisa franca y rostro amable de los muy exitosos Tribalistas, banda en la que unió fuerzas con Carlinhos Brown y Marisa Monte.
El Arnaldo Antunes de Qualquer es significativamente diferente de cualquier otro Arnaldo Antunes que hayamos tenido ocasión de conocer. Es uno entregado a la delicadeza del susurro y la quietud. Uno que renuncia a la presencia de cualquier elemento percusivo para concentrarse en la calidez del piano y la guitarra acústica. Uno más etéreo, más pausado. Uno que reconoce la influencia que Joao Gilberto, el gran maestro de la Bossa, en su nueva forma de interpretar y dar forma a una letras que –y en eso sí que nada ha cambiado- siguen siendo poéticos lienzos de reflexión y emoción. ¿Madurez? No, nunca anduvo escaso Antunes de madurez, sea lo que sea que el término pretende designar cuando se aplica a la obra de un artista. Más bien deseo de concederse a así mismo la posibilidad de buscar otras vías de expresión, otras formas de vestir sus composiciones. Quizás por eso el paulista aprovecha Qualquer para rescatar hasta tres temas de su autoría e interpretarlos por primera vez después de que ya lo hicieran nombres como Gilberto Gil, Maria Bethânia y Marisa Monte. Quizás sea ahora cuando Arnaldo Antunes ha encontrado la voz con que grabarlas y los sonidos con que envolverlas

La voz de Poveda irrumpió en el flamenco contemporáneo al compás de los cantes mineros y a la luz de la Lámpara que honora a los que más méritos acumulan en el Festival Nacional del Cante de las Minas de La Unión (Murcia), el que probablemente sea el más prestigioso de los certámenes flamencos que se celebran en nuestro país. Allí se inició una carrera que el cantaor catalán ha hecho de revoluciones y preciosos quiebros a la ortodoxia y a la opinión de los mairenistas más intransigentes. Una trayectoria marcada por su desbordante personalidad, la enjundia de su cante y la voluntad de dar con nuevas perspectivas donde algunos solo creían ver espacio para la mimesis. Ha sabido Poveda ser leal a la tradición pero también salirse de los cauces academicistas cuando así le ha convenido. Mirar atrás pero sin olvidar que siempre hay que mantener un ojo puesto en lo que todavía está por venir, no sea que de tanto recordar se nos olvide vivir. Así es Tierra de calma, un disco hecho hoy pero nacido ayer. En compañía del soberbio toque de Juan Carlos Romero (a quien corresponde la autoría de la mayoría de canciones del disco, así como las tareas producción) Poveda se ha embarcado en un viaje a las incandescentes entrañas de la antigua fragua en la que los cantes primigenios se retorcieron hasta adquirir las formas clásicas del flamenco. Memoria y frescura en los mimbres de unos tangos, seguirillas, abandolaos, bulerías, soleás y farrucas cinceladas con esmero y firmeza. Tierra de calma es el alambique en el que el flamenco se va destilando –desnudando- para mostrar su esencia. El corazón y el alma de esta música a la que Poveda siempre ha dibujado un futuro.

El éxito conseguido con el primer volumen de Cuba le Canta a Serrat, nominado a los Grammy latinos y presente en las listas de ventas de España y buena parte de Latinoamérica, obligaba a dar continuidad a un proyecto que ha conseguido reunir a lo más granado de la escena musical cubana en torno a las canciones del catalán Joan Manuel Serrat. Como ya sucedía con su predecesor, en el listado de participantes en Cuba le canta a Serrat domina un cuidadoso equilibrio entre ilustres veteranos plenamente consagrados (Tata Güines, Barbarito Torres, Juan Fornell y Los Van Van...) y representantes de la Novísima Trova como X Alfonso o Carlos Varela.

Sihá es un grito que se abre al mundo desde ese lugar, el Finis Terrae, donde, precisamente, se decía que acababa. Sihá es la voz de la tierra herida por las azadas y la voz del mar. De ese mar que cuando está calmo sirve para enmarcar los atardeceres más bellos que se puedan imaginar pero que, cuando se enfurece, brama ensordecedoramente y cubre con sus espumarajos de rabia las rocas de la Costa da Morte. Sihá es el eco del canto de aquellas ancianas de Bergantiños que abrieron para siempre el corazón de la joven Peón a la música tradicional de su tierra. El recuerdo de los años recorriendo pueblos y aldeas para rescatar del olvido antiguas melodías. Sihá es la memoria reclamando el presente. Un espacio en el que los ritmos ancestrales nos recuerdan que entre el norte de África y la torturada costa atlántica gallega, la distancia no es tanta. Como tampoco lo es aquello que separa vanguardia de tradición, aquí caras de una misma moneda, mitades perfectas de un todo indivisible. Sihá es el tercer trabajo discográfico de la gallega Mercedes Peón, la voz más creativa y original del folk gallego de nuevo cuño, y una de las personalidades europeas más deslumbrantes y aplaudidas de aquello que denominamos, con más vagancia que acierto, 'músicas del mundo'. Un álbum de fuerza torrencial, conducido por la hipnótica voz de una Peón en la que se da cita la visceralidad con la creatividad audaz e irrefrenada y la dulce poética de lo sublime.

El mundo siempre ha andado escaso de héroes. Jamás han abundado, pero es ahora, en nuestros días, cuando más huérfano de figuras a las que admirar parece.
Quizás por eso, contemplado desde nuestra dolorosa orfandad, el colosal perfil de Pete Seeger no deja jamás de crecer y engrandarse. En lo artístico y en lo personal, en lo humano y lo legendario. En su faceta de icono del folk norteamericano e incansable agitador de conciencias. Su banjo siempre fue un dedo acusador dispuesto a señalar las injusticias allá donde se escondieran. Su voz, la de los acallados, marginados, derrotados, explotados y olvidados. Allí donde hubiera una causa justa (de las atrocidades de Vietnam al sacrificio de las Brigadas Internacionales, de la luchar por los derechos civiles del pueblo negro a las movilizaciones sindicales), aparecía la venerable figura de Pete Segger con su banjo y su zurrón repleto de temas tradicionales y canciones propias en camino de serlo.
La historia de este neoyorquino que ronda ya los noventa años es la de un luchador inagotable guiado por los valores más elevados e incapaz de girar la vista ante la contemplación de lo intolerable. Pero también es la historia de un verdadero pionero del folk, probablemente uno de los más importante e influyentes de cuantos ha dado la música popular norteamericana. Su música, homenajeada ahora por Bruce Springsteen en su nuevo trabajo, ‘We Shall Overcome: the Seeger Sessions’ , es un caudal inmenso del que siguen bebiendo la mayoría de quienes tienen o han tenido algún interés por la música tradicional de los Estados Unidos.
‘Brothers & Sisters’ repasa a lo largo de sus dos CDs buena parte de los capítulos más brillantes de la extensa discografía del trovador. En el primer disco, encontramos a un Seeger en completa soledad, con la única compañía de su banjo (aquel en el que todavía reza la leyenda ‘este instrumento atrapa el odio y le obliga a doblegarse’) interpretando sus canciones y robándole piezas al cancionero tradicional. El segundo, de extraordinario valor artístico y documental, recoge las mejores composiciones de Almanac Singers, la banda en la que Seeger militó en compañía de su buen amigo Woody Guthrie y otros destacados folkloristas como Josh White o Bess Lomax. Además de la extraordinaria música de los Cantantes del Almanaque, este segundo disco también incluye una representación del trabajo de Seeger al frente de otra legendaria formación de la música popular norteamericana: The Weavers. Con esta banda, el neoyorquino creó algunas de sus piezas más ambiciosas, entroncando su folk con jazz e, incluso, adelantándose en décadas a la fiebre de las músicas mestizas buscando inspiración en los ritmos de la música latina, africana, israelí o asiática.